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作為聲樂藝術中極為重要的組成部分，美聲唱法最初起源于17世紀的意大利，經過多年的實踐發展，美聲唱法已經成為一門世界性聲樂藝術，對歐洲、乃至全世界的聲樂藝術產生了深遠的影響。近年來，我國的聲樂藝術得到了卓有成效的發展，美聲唱法的傳入不僅改變了人們對聲樂藝術的認識，而且引起了社會各界尤其是藝術界對民族音樂的反思，因此，對美聲唱法對中國聲樂藝術影響的研究有著一定的實踐意義與社會價值。

1美聲唱法在中國的起源、發展

美聲唱法最早于二十世紀三四十年代通過公派國外留學生及國外聲樂教師引進傳入我國。在美聲唱法傳入初期，國人對該藝術相對陌生，在聲樂教師及各類文化交流教育工作的支持下，美聲唱法藝術模式在我國初步形成，這在一定程度上推動了美聲唱法在我國的發展。

二十世紀五六十年代，國外著名美聲歌唱家到我國進行了示范性教學，主要對美聲發聲方法、發聲練習方法以及發聲技巧等進行講解，與此同時還提出了強調關閉唱法，引發了國人學習美聲的熱潮，推動了我國聲樂藝術的發展。改革開放以來，隨著文化交流的日益密切，國外著名歌劇大師、男中音歌唱家到我國進行講學，傳授了美聲的歌唱技能、技巧，涉及到聲樂教學的各個方面，其在一定程度上提升了我國聲樂訓練的整體水平。90年代后，世界著名歌唱家阿米玲到我國講學授課，除了對歌曲演唱技巧的講述外，還對部分作品進行了具有針對性的闡釋與指導。受中國傳統文化的影響，我國社會所能接受的美聲強調的是聲情并茂，要求在確保美聲聲音優美的同時，能夠傳達情感，這也是美聲唱法在我國傳播的一個重要特點。

2美聲唱法與中國聲樂藝術的異同

2.1美聲唱法與中國民族聲樂的共性

美聲唱法與中國民族聲樂的共性首先表現為呼吸位置的共同性。我國民族聲樂及美聲唱法都強調呼吸的順暢性，其不僅是發聲的原動力，更是歌唱的重要基礎，在歌唱中要確保聲音連貫、流暢，做到吐字清晰，并能夠實現對音量強弱的有效控制，呈現出完美的演繹效果。其次，美聲唱法與中國民族聲樂在高位置聲音安放方面也具有一定的共同性，我國民族聲樂主要借鑒的是京劇唱腔，美聲唱法則更多借鑒了西洋歌劇唱法，這一技巧能夠在一定程度上增強聲音的內在感染力。另外，我國民族聲樂強調歌唱聲音要上下貫通、流暢自如，而不是擠塞喉嚨；美聲唱法也明確強調歌唱要打開喉嚨，兩者具有一定的相同之處。

2.2美聲唱法與中國民族聲樂的差異

首先，表現為共鳴器官運用的差異。美聲唱法強調的是頭腔、喉咽腔、口腔、鼻腔等所有共鳴腔體的整體共鳴，盡可能確保同時并用，體現各腔體的共鳴優勢，增強藝術感染力。在發音技巧方面，多采用的是上下垂直柱狀共鳴通道發聲。而中國聲樂藝術的共鳴則相對單一、清淡，主要包括口腔共鳴、鼻腔共鳴與頭腔共鳴，這種差異主要是由于民族唱法與美聲唱法燕子、潤腔的不同造成的。另外表現為演唱藝術追求的差異。美聲唱法關注聲音的美感，強調技巧性突破，在確保歌唱技巧的基礎上，盡可能達到音質的清純、飽滿，實現對氣息的持久控制，呈現出寬闊、柔韌的演唱風格。而我國民族唱法則更多保留了傳統的美德，呈現出清靈、委婉、飄逸的嗓音特色。

3美聲唱法對中國聲樂藝術的影響

藝術的發展與進步往往依托于不斷的交流與相互借鑒。近年來，隨著我國聲樂藝術的發展及中外音樂藝術的交流融合，美聲唱法在中國聲樂藝術中不斷滲透，對我國聲樂藝術產生了深遠的影響，主要體現在以下幾個方面：

3.1對中國聲樂學派發展的影響

我國傳統的聲樂藝術主要為戲曲，其在具體的演唱中多采用本音，且音域較窄，注重自行腔圓、悠揚綿長，以描述故事與情感為主，具有濃厚的東方特色，與世界聲樂文化融合相對困難。而作為中西方聲樂文化聯系的重要紐帶，美聲唱法在中國的傳入也將西方文化融入到我國聲樂藝術中，對我國聲樂藝術發展產生了一定的影響。當前我國的戲曲藝術中不乏美聲唱法，美聲唱法以戲曲的結合成為現代民族聲樂的藝術框架，民族聲樂藝術不斷完善，歌唱形式得到了豐富與發展，并誕生了一批著名的民族藝術歌唱家，使我國的聲樂藝術走出國門，走向世界。

3.2對中國藝術歌曲創作的影響

美聲唱法的引入是我國對西方聲樂文化有了新的認識，并對中西方聲樂文化做出了對比分析。老一輩聲樂藝術家針對美聲唱法傳入的現象，提出取其精華、去其糟粕，為我國聲樂藝術發展帶來了一個新的契機。20世紀30年代，我國聲樂藝術家將美聲唱法特點融入到藝術歌曲創作中，出現了大批以美聲唱法為核心的優秀抗戰歌曲。20世紀50年代，美聲唱法技巧與中國聲樂藝術實現了更進一步融合，使我國的藝術歌曲內容得到了豐富與發展，逐漸與世界接軌，著名的有《草原之歌》、《我站在鐵索橋上》等。

4結束語

隨著世界文化的交流與融合，美聲唱法對中國聲樂藝術的影響更加凸顯。盡管美聲唱法與中國聲樂藝術存在著較大的差異性，然而在文化藝術交流、碰撞過程中，兩者呈現出融合發展趨勢?；诋斍拔覈晿匪囆g的發展，必須注重對美聲唱法的合理引入，在借鑒的同時揚長避短，滿足人們多樣化的審美需求，促進我國聲樂藝術長遠發展。

參考文獻

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二、民族聲樂藝術的審美取向

（一）由單一化向多元化轉變現代社會的文化豐富多彩，人民群眾在思想意識、審美標準，民族聲樂審美方面發生了重大變化，從單一化向多元化發展。聲樂藝術的單一性特征已經不再是時代主流音樂的特征，相反多種多樣的藝術形式以及民族聲樂領域的百花齊放現象，成為民族音樂中最為突出的特征之一，改變和影響了傳統聲樂的觀念以及審美意識。從民族聲樂的發展來看，要繼續依靠群眾來發展和創新多種類型的唱法，還要全面地綜合多種唱法，形成新的表現形式。因此，民族聲樂表演者要在該領域創作出更多的具有民族風格及特色的聲樂作品，不僅要保存深受群眾喜愛的傳統作品與唱法，還要在創作、表演、欣賞等領域的不同發展階段，朝著多元化的方向發展，鼓勵、支持以及引導不同民族和唱風的聲樂藝術的創作，讓民族聲樂滿足人民群眾的精神需要。

（二）創造古今融合的美學取向在中國傳統的民族聲樂中，通常都比較注重表現過程中的字正腔圓、講究韻味等。長期以來，民族聲樂藝術的地位和重要性依然具有很大的影響力，美學取向成為民族聲樂藝術不斷發展的關鍵支撐點。在繼承及發展傳統民族聲樂藝術領域美學特點的基礎上，還要不斷地借鑒和吸收西方美聲聲樂藝術中的表現方法及表演形式，例如講究共鳴、良好的呼吸支持等，更好地協調旋律、結構、和聲節奏以及配器等，從而不斷縮小中西民族聲樂藝術領域的差距。

（三）完善教育體系和教學形式在日常訓練過程中，要真正把握好民族聲樂藝術的科學性以及民族性特征，才能更好地把握民族聲樂創作和欣賞過程中的藝術審美傾向，展現出豐富和完善的聲音表現力[4]。也只有這樣，民族歌曲才能真正具備自身的獨特風格。因此，在中國民族聲樂建設方面，要構建起富有特色的民族聲樂教學體系，且要保證教學體系的科學性和完整性，為人民群眾創作出更多的民族聲樂唱法和作品。此外，還要不斷強化民族聲樂教學理論體系，從而為民族聲樂的發展和壯大提供理論基礎。

三、聲樂教育與民族語言的融合

漢語的發展跟少數民族的語言文字存在較大的差別，漢字是單音節，且涵蓋了聲母和韻母，而且部分漢字還有復合、聲化韻母，字的音調也是高低不同[5]。因此，漢語很自然地具備了音樂性以及美學特質。在高校開展聲樂訓練的過程中，要從漢字實際出發，不僅要練好五個母音，還要按照漢語發音的特征，重點訓練輔音以及帶詞，將漢語的特征、民族風格、聲樂技能的心理、音樂技巧的訓練等內容全面地融合起來。在此過程中，民族聲樂更為關注“聲情并茂”以及“字正腔圓”，這也成為民族聲樂作品在歌唱過程中的基本范式，是歌唱者應該具備的重要理念。在談到“字正腔圓”方面，很多人認為這是老生常談的事情，應該局限在戲曲和曲藝中，從而不關注這些內容。但是，在當前的聲樂作品歌唱過程中，通常會存在很多不規范的現象：唱聲不唱字、重聲不重情等情況較為突出。在這種情況下，語言的準確清晰可以塑造具體的、逼真的聲樂藝術形象。如果在演唱過程中連字都唱不清，將很難借助民族語言來表達作品的具體內容，更不能感染聽眾[6]。因此，民族聲樂教學要強調每個字都有正確的發音，在此基礎上，才能形成和諧統一的聲音線條，再真實、具體地表現每個字的特征及相應的語言風格，清楚、真實、收放自如地演繹作品內容，從而吸引及打動聽眾。從聲樂發展來看，字正和腔圓的關系密不可分，缺少任何一點的聲樂演唱都不是完整的。應尚能先生是中國最早學習與研究傳統聲樂的藝術家之一，早在上世紀50年代，他就總結出“練唱應從字入手，以字行腔，有字就有聲”這種結論性觀點，將字正當成腔圓的基礎，這樣才能關注字正。腔圓要以字正為前提，這樣才能形成腔圓。在此過程中，要關注好字正腔圓，就要將字當成前提，字為基礎，才能談論腔的內容，如果連字都沒有，將不存在腔與歌唱。因此，在演繹歌曲的過程中，要關注字詞的重要性，先關注詞，再注重曲。此外，從發聲過程來說，先關注字再形成聲，這是傳統的“腔隨字走，字領腔行”。與樂器相比，歌聲能夠深入人們靈魂以及富于表現力的原因就在于歌聲可以直接在語言中咬字發音，這樣就更容易深入到人的心靈深處。民族唱法中的行腔是必不可少的的關鍵內容，行腔和文字、聲音有著十分緊密的聯系[7]。在聲樂教學過程中，全面衡量學生演唱民族聲樂作品的標準涵蓋了以下幾個方面：聲隨字轉、以情潤腔、字正腔圓。民族聲樂教學要根據學生的實際情況，考慮到學生不同的演唱風格，在此基礎上，教師要在訓練過程中，將西洋發聲法中的共鳴技巧與民族唱法巧妙地結合起來，這樣可以使聲、字、腔、味中被賦予全新的音樂形象，然后再根據各種藝術的具體要求，不斷注重力度變化、情緒變化以及速度、共鳴腔體的聲音調節、行腔中的聲音變化、節奏的變化等方面重點訓練學生的能力和技巧，借助生動、美妙的音樂語言來進一步表達以及展現歌曲中濃厚的地方色彩與生活情趣，輔助教師完成相關聲樂作品的教學目標，還可以培養學生的聲樂表現能力和技巧，規避在教學過程中的“千歌一曲”以及“萬曲一腔”等現象。

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漢族的語言表達講究“字正腔圓”，民族聲樂藝術的表達也同樣重視“字正”。字的“韻味”體現在語言的規律和表達上，咬字清晰有力是傳遞歌詞意思，表達感情的良好途徑，而選擇對的字也是正確表達意思的首要考慮。另外，歌詞的語氣、情態、語勢等方面的處理和表現也能促進民族音樂的韻律表現，只有擁有深厚的文化修養的作詞者才能創作出與音樂旋律相符合的歌詞。中華文化博大精深使得文字的表現有著多種方法，也為民族音樂創作提供了巨大貢獻。在民族聲樂藝術進行表演時，如果觀眾只聞其聲，不見其字，則根本無法完整理解演員要表現的意思和情感。而字的選擇稍有偏差也會影響觀眾對整段歌詞的理解，甚至會誤導聽眾對整個歌曲的感情表達。如何用耳鼻口等發音器官發音是每個民族歌唱藝術家的必修課，而歌詞的描述也是民族歌曲能否達到人人傳唱水平的重要因素。因此，文字不僅是民族聲樂的精華，也是民族聲樂藝術的重要審美特征之一。

2、聲音的“韻味”

僅僅在文字上的完整表達并不能使民族歌曲受人喜愛，生活中往往一段好的曲子即使沒有文字也會令人聽之難忘。例如90年代全球暢銷的金曲”Myheartwillgoon”，其英文歌詞并不是多數中國聽眾能夠理解的，但是其旋律越感情卻征服了一大批人，由此可見聲音的“韻味”可以說是歌曲的靈魂。所謂音韻是通過文字發聲的長短、婉轉等技巧來控制和表現的，民族聲樂中的技巧運用尤為豐富，最突出的特點是聲音高亢、響亮的同時又不失優美。在民族聲樂藝術中，講究聲音的發聲技巧、共鳴、腔體等表現手段，這些手段是感情表達的有效方法?，F代的一些歌廳的歌唱者，沒有對歌唱技巧進行掌握練習，只一味追求民族聲樂中的聲音高亮，常常讓聽眾感到聲音刺耳和疲憊，不能把民族音樂的優美傳達給聽眾。好的歌唱家擁有深厚的歌唱技巧，唱起歌來表情甜美，無論唱怎樣的歌曲都帶有自己的聲音“韻味”，即能提升自身的音樂形象，也能和聽眾形成情感共鳴。由此可見，聲韻是打動觀眾的不可或缺的因素，是民族聲樂的最高審美特征[2]。

3、情感的“韻味”

作為一種情感藝術，感情是否投入自然可以成為評判民族聲樂藝術的標準。唱歌講究“聲情并茂”，通過情感的表現可以為藝術家與聽眾建立起一個不分距離的溝通橋梁。一首歌曲是否受歡迎不僅僅因為其詞曲的精妙，更因為其情感的表達，比如現在的一些選秀歌手往往唱歌無瑕疵卻不能得到觀眾的喜愛，這種情況正是由于歌者過于重視比賽，無法體會歌曲創作者的情感表達，也無法將歌曲原本的情感的“韻味”帶給聽眾[3]。人類判定美是由于情感的波動，情感也就成為了民族音樂藝術審美的重要特征。而感情的體現也是藝術家自身修養的表現，通過感情的判斷不僅僅可以對民族音樂進行審美，也可以對其演唱者的藝術修養進行衡量。生活中常常用“動人心魄”的詞語來形容一首好的歌曲，正是因為其情感的“韻味”使人心動、情動，情感不僅僅是藝術的表達，更加是藝術的創作來源，只有充滿情感的民族音樂演唱才能擁有巨大的音樂魅力?？傊?，情感的“韻味”是民族音樂創作的意義所在，魅力所在[4]。

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（一）表現風格

世界上各個的國家人文風情有較大的區別，各個民族的民族文化，自然環境、風俗習慣及公眾的審美標準均較大的不同，使得其在本土形成的聲樂藝術也不盡相同，表現形式豐富多樣，且風格迥異。其在聲樂表演藝術中通過發聲、咬字、語言、調整呼吸、把握節奏等各種聲樂技巧中直接的表現出來。豐富的聲樂技巧也使得聲樂表演藝術風格存在的較大的區別。我國地大物博，民族眾多，各個地區及民族之間的聲樂表演藝術風格也有極大的區別，北方的聲樂表演其豐富十分明顯，語言簡潔、利索，聲調的調值幅度大，旋律具有跳躍性，且風格較為幽默夸張，高亢犀利，如東北二人轉等藝術作品；而南方民族的聲調調值幅度小，聲腔旋律的跳躍性不明顯，風格更偏溫柔，娓娓道來。因此在聲樂藝術中，聲樂技巧是不同聲樂藝術表演風格的主要表現方式，也形成了各個地區的不同聲樂藝術風格[3]。

（二）表演形式多樣化發展

聲樂表演藝術可以超越國界，即使是語言不同的聽眾也能夠感受到作品中包含的情感。各個民族的音樂文化底蘊不同，其作為一種動態的文化，也會隨著社會時代的變遷而逐步的變化發展，有的文化不斷壯大，而有的文化則逐步走向消亡。音樂文化要不斷的發展壯大，讓更多的人領略到其魅力，需要對世界各個地區的音樂文化進行充分的研究，吸收先進的文化，并結合先對其的流行音樂元素，使之能夠有機結合起來，緊跟時代的步伐，在保持自身原始風格的情況下，不斷的創新，演變為獨特的聲樂表演藝術風格，使得表演形式更加多樣化，流傳更廣。

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2.確立主線，合理布局，明確教學設計思路我和徒弟著手準備了區級公開課《聲區和音色》和樂理教學中《簡譜和五線譜的互譯》為主線，在確立主線后準備了一些音樂專業理論知識，歌唱的基本技能知識，包括呼吸的方法，音色的辨別，聲區的變換，并能夠自信的有表情的演唱。并通過多媒體上網查找了一些資料，開拓學生的視野。第一節課我們先準備的是《聲區與音色》第二課時準備的樂理專業知識《簡譜與五線譜的互譯》使學生在實踐活動中由自主的學習中上升到理論的探討。在第一節課我在講解音區的時候選擇了個別學生做示范，來了解人的聲區變化，在講解音色時，我下載了女高音，男高音，女中音，和男中音的視頻讓學生體會音色的魅力和歌唱的藝術感染力。

通過觀看后然后自己學唱歌曲《為了誰》這首歌曲，通過演唱來展示自信和潛能。第二節課主要是講解五線譜的知識，辨別調號、譜號在簡譜中的運用這是考察學生的專業知識水平，比較抽象，能通過學習考察學生的運用能力。

3.發揮專業特長，進行優勢互補，確立教學目標、組織課時教學在確認了本課主線。完成各知識點布局和和設計思路后，我和徒弟精心備課，發揮各自特長，取長補短、相互促進進行了反復的實踐磨課，向大家展示了兩堂具有特色音樂課堂教學實踐—聲樂課和理論課聲樂課《聲區與音色》確立3個教學目標：教學目標1了解人的各聲部的音域和換聲區2進行換聲區的訓練，學會用復合式的方法進行演唱3聆聽不同音色帶給我們的美的感受，并學唱歌曲《為了誰》。確定和難點：教學重點聲音統一，聲區轉換避免有裂痕教學難點：避免用白聲演唱，學會復合式方法演唱。課堂上，帶領學生欣賞、分析、體驗、展示，整個課堂彰顯濃厚的藝術氛圍！理論課所設計的教學目標是1用首調唱名發讀五線譜，并把它譯成簡譜。2學生能夠掌握五線譜和簡譜的互譯的教學重難點是：掌握在五線譜與簡譜互譯中臨時變音記號的運用，本節課學生積極參與，來聽課的教師也十分感興趣，并積極加入探討！

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不同的歌曲會有不一樣的感受帶給聽眾，不同的歌曲中也存在著不一樣的美。有的歌曲旋律激昂、節奏富有動感，給人以活力；有的歌曲節奏舒緩或帶有傷感，給人以溫情或寂寞；有的歌曲充滿正能量，讓人積極向上。所以，聲樂學習者在學習歌曲時，對音樂美學的學習是很有必要的，對于歌曲的不同美的定義可以通過音樂美學的學習進行了解。歌唱者對歌曲的不同美的定義了解了之后，能夠對作曲家在創作時的本意予以很好的了解，在表演時才能有很好的表現。在音樂學習時要對聲音的技巧、歌曲的處理予以掌握，同時在自身作品中融入其他相關學科的知識也要學會，更好地體現出音樂美中的優美、壯美、喜劇美、悲劇美、崇高美等等。

三、在聲樂教學中要運用好音樂鑒賞能力

不同歌唱家對音樂作品的感受是不同的，在演繹相同的歌曲時每位歌唱家都會根據自身的情況做相應的改變，以致產生了有不同的效果。這就要求學習者在平時對音樂鑒賞能力的培養要予以重視。首先要對各種不同類型風格的作品要多多聆聽。各類復雜的聲樂作品是聲樂學習者要不斷接觸學習的，在不斷聆聽各種音樂作品時要做好筆記，做好音樂作品的分析，對其中的音樂處理予以掌握，培養好內心聽覺。其次要運用內心聽覺來熟悉、分析音樂。對于一部聲樂作品，歌唱者要先在腦海里呈現出作品的整體表現效果，再進行演唱。歌唱者對一部聲樂作品要先在頭腦中慢慢形成穩定、精細的聲音，然后形成內心聽覺。在看譜分析研究作品時，就要運用內心聽覺，心中形成作品的旋律，在頭腦中演繹出作品真實演唱的情景。最后是運用不同的處理方式來處理不同類型的作品。要了解作品的時代背景、創作意圖、思想情感。不同的歌者演唱同一首作品時，出來的效果各不相同，因為歌者投入了自己的情感，這就要培養歌者個人的文化修養和生活底蘊。不同的音色會給作品以不同的味道，歌唱時要尊重原詞的意境，吐字清晰連貫，聲音平衡流暢。

四、有關歌唱技巧訓練的一些建議

大部分初學者都不太注意自己的聲音，缺乏個人的聲樂審美觀，使學生的內心聽覺和聲樂的學習發展受到影響。教師要在學習之初就樹立學生正確的聲音概念。

1、對同一聲部歌唱家演唱的曲目進行模仿。學生在沒有掌握扎實的聲音技巧的時候，不要貪圖高音和技巧的表現，這會傷害自己的聲帶和信心。這時要征求教師的意見，選擇適合自己的曲目。經過一段時間的學習之后，再根據教師給自己定位的聲部，選擇同一聲部歌唱家演唱的曲目來聽、模仿，要以培養自身的歌唱聽覺為目的，認識自己的聲部特點。

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眾所周知，一部好的聲樂作品，其主要的思想內涵表達大多是通過歌詞來傳遞給聽者的，這也就體現出來歌詞的重要性，并進一步地提示演唱時咬字清晰與準確的重要。雖然我們在平時說話中，大多數人咬字都是非常清晰準確的，但也并不能代表，其在演唱時，咬字就一定要準確、清晰以及藝術化。若學生用平時說話咬字的方法進行作品演唱時，不僅不能充分地表達出作品所要傳遞的美感與藝術性，還會導致音樂作品的質量低下。因此，教師在場樂作品教學中，一定要重視藝術化咬字的強化教學。1.咬字的規范性訓練。于聲樂教學時，教師先要對學生進行咬字規范性的訓練，例如，讓學生對中國字元音、輸音、團字、尖字、四聲、字腹、字尾、有字頭等名詞意義的了解，并通過刻苦的訓練，讓學生學生在演唱中充分地應用這些咬字特點。2.針對美聲唱法、通俗唱法等多個唱法之間咬字特點的不同，對學生進行相應的咬字訓練。例如，在中國式通俗唱法中，加強對學生親切式咬字、耳邊傾訴式咬字、氣吹聲式咬字、齒音式咬字、嗲咬字等咬字方法的訓練。而針對美聲唱法，則需重視對窄韻母寬咬、寬韻母窄咬等咬字方法的訓練。3.在以上教學訓練的基礎上，教師再讓學生進行演唱錄音，通過錄音，可將學生演唱的節奏、音準、演唱細節、咬字情況準確、完整、清楚地記錄下來。學生通過對自己錄音的回放與反復聽，則容易于清楚的演唱錄音中發現自己于咬字方面尚存在的不足之處。在了解自己不足之后，再用心領會教師前面所教的咬字要訣，便很容易體會到其中的精髓，并針對自己的不足進行相應的咬字方法訓練，便能達到事半功倍，促進咬字藝術化、準確清晰的目的。

三、錄音藝術實踐可使聲樂教學更加具體和立體

傳統地聲樂教學模式，給學生的感覺比較縹緲模糊，而具體的教學過程，也是比較平面的。學生在這種聲樂教學環境下，并不容易領悟聲樂藝術中的精要，也無法有效地辨別演唱聲音的正確性或錯誤性。而將錄音藝術實踐應用于聲樂教學中時，便可有效的規避傳統聲樂教學存在的模糊、平面等不良現象，并逐漸使場樂教學更加具體，教學過程也更加立體。

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（二）、“別具匠心”之“三新”“三新”意指“新概念”、“新配樂”、“新唱法。”在周杰倫的音樂作品當中，“新概念”無需贅述，因為其音樂作品本身很多時候就已體現這一特點，新概念下的音樂才會與眾不同。這里筆者想著重闡述的是“新配樂”與“新唱法”，以此來說明流行聲樂藝術的“跨界”魅力?！靶屡錁贰?，在周杰倫的音樂當中最為明顯的就是將西方“Hip-Hop”、“R&B”唱法融入到中國傳統音樂當中，這種中西合璧的方式令人耳目一新。同時在很多作品當中旋律起伏都較為平緩，多數以二度、三度浮動為主，演唱起來也很有說唱的感覺。另外樂曲配器上也有別于其他流行音樂作品，周杰倫在自己大部分作品當中大膽運用了各類方式，如在《娘子》中吉他與琵琶的融合、《臺》中大提琴與古箏、琵琶之間的交相呼應、《東風破》中鋼琴與琵琶的相輔相成，甚至在《夜的第七章》當中編配出了較為完整的小型交響樂總譜。這些中西方樂器的使用相得益彰，既彰顯了中國傳統器樂的獨特魅力，又使得西方先進的作曲技法在其中運用自如，這種和諧也是周杰倫的流行音樂的特點，也是中國流行音樂“跨界”發展的典范。在“新唱法”的運用中，作為歌手，周杰倫的創新突破遠優于其他歌手。除在早期作品當中運用中國傳統戲曲唱法等，后期幾首合作或被改變之后的作品更能顯現出這一特點。如2006年與“小哥”費玉清合作的《千里之外》，堪稱“中國風”作品的代表作。這首作品涵蓋了費玉清的美聲唱法，同時也有周杰倫獨特的唱法圍繞其中。這兩種唱法一高一低，一唱一和，毫無突兀感，相反費玉清的“娓娓道來”更能夠完美的映襯作為“主人公”出現的周杰倫的唱段。這首作品各方面辨識度極高，一經問世大獲好評。有了這一嘗試之后，在2009年央視春節聯歡晚會上，周杰倫首次搭檔宋祖英，演唱其代表作《本草綱目》，在這首作品當中，還穿宋祖英的《辣妹子》，這二人一個是中國民族聲樂代表人物，另一個是流行R&B天王，兩人的“英倫組合”一出現就引發熱議。就音樂作品和演唱方式來說，二者的結合堪稱典范，這也是中國流行聲樂藝術“跨界”的完美嘗試，之后二人在2009年6月30日鳥巢音樂會時再度聯手，演唱了著名的《千里之外》。宋祖英沉穩大氣的歌聲使得這首作品大放異彩。2010年5月1日，《黃浦江深》首次發行，這也是方文山、周杰倫這對黃金搭檔為宋祖英本人“量身定做”的新作品，這首作品的問世，是中國民族聲樂唱法與流行音樂之間的高度契合，也使眾多音樂人看到未來中國流行聲樂藝術發展的新方向：除題材、體裁、編曲等方面可以運用中國傳統音樂元素之外，這種唱法改變的方式也是一種新的突破。

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音準不僅僅靠歌唱的耳朵，更收到呼吸的影響。沒有足夠呼吸的支撐，稍不注意，音準就會出現跑偏。如同水面上的小船。如果水面不穩，那么小船也會東倒西歪。所以說呼吸不穩，音準也會跟著不穩。

（二）呼吸影響聲音的音色。

好聽的音色最能吸引聽眾的注意。沒有良好的呼吸的支撐。使得音色過于白，過于暗，都是不好聽的。在呼吸的包圍中，發出通透的，既明亮又柔和的音色是非常吸引人的。

（三）呼吸影響聲音的音域。

“混聲”的發聲是當今公認的一種科學的發聲方式。它通過呼吸的作用，配合聲帶振動，產生一種明亮，又柔美放松的聲音。使得低音區，中音區，高音區獲得聲音上的統一。解決了普遍存在的“高音上不去，低音下不來”的問題。要想活得良好的“混聲”，實現音域的擴展，呼吸的重要作用是不可忽視的。

（四）呼吸是情感表達的重要載體。

我們演唱歌曲是為了抒感。情感變化需要呼吸的變化來做支撐。情感的變化是通過聲音的強和弱，長和短等對比實現的。要想靈活的控制聲音的變化，必須有足夠的良好的呼吸作為基礎。凡是能夠唱到觀眾內心深處的歌聲，一定有良好的呼吸作為支撐。

二、如何培養自己的呼吸

既然呼吸對于聲樂藝術有如此重要的作用，呼吸，當然是指“呼”與“吸”這兩個狀態。吸氣時，肩膀，胸部放松，使氣息垂直吸入肺的底部。橫隔膜下降擋氣，兩肋拉開，氣息一定要吸得深。氣“沉于底”，聲“灌于頂”。這個道理就像拍皮球一樣，要想使皮球彈得高，一定要用力往下拍。氣息也同樣如此。呼氣時，要控制氣息一點一點呼出去。切忌把氣一下吐出來，導致漏氣。要想找到正確的呼吸的狀態，可以作用以下幾種方法作為借鑒。第一種體會打哈欠時的狀態。打哈欠時喉嚨是打開的，是正確的發聲的狀態。第二種，平躺在地板上，把幾本書放在靠肋骨的腹部上。吸氣時，把書推起，呼氣時，用書的重量把氣息壓出。通過這個練習，很容易領會呼吸的作用。第三種，慢呼慢吸的練習。慢吸，同時數五下。保持住氣息，同時數十下。慢呼，同時數五下。多次循環，逐漸增加保持氣息的時間長度。第四種，快呼快吸的練習。設想一件令你驚喜的事，來幫助你學習快速的吸氣，快速的吐氣。也可以稱為“蛤蟆氣”，可以體會和鍛煉膈肌的彈性。通過慢吸慢呼和快吸快呼的練習，可體會和鍛煉膈肌的控制力。第五種，打嘟嚕練習。用氣息推動雙唇發出“嘟嘟”的聲音，這種練習容易體會到呼吸對抗所產生的支持點的感覺。找到這種感覺后，可配合著做一些音階的練習。

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2、民歌改編曲的現狀

中國的民歌產生在特殊的時代背景下，以其獨特的民族魅力登上歷史舞臺，至今已有將近一個世紀的傳承和變化發展，分為萌芽期、發展期、回落復蘇期以及融匯多元發展期。不同的歷史時期，民歌在創作、演唱、傳承等方面都呈現出不同的風貌特征。由中國民歌改編的歌曲在我國的民歌創作歷程中，出現過兩次高峰。第一次是在20世紀五、六十年代，應該屬于回落復蘇期；第二次高峰是再上世紀八十年代末九十年代初，屬于融匯多元發展期。民歌改編曲是在原始民歌的基礎上，對音樂素材進行提煉、加工、處理而來。歌曲的風格和結構發生了改變，演唱的技法自然也會隨之作相應的變化。中國改編民歌與傳統民歌的曲調保持著密切的聯系，民歌改編曲較原始民歌多了宣敘、花腔、甚至搖滾的元素，所以原始的民族唱法在改編的狀態下，必然要在發聲、共鳴等方面借鑒美聲唱法，通俗唱法的演唱技術，充分發揮人聲潛能的科學性，才能達到不同類型民歌改編曲的技術要求，對民族聲樂的提高和發展產生積極作用。對于民歌改編曲的研究，國內已經取得了較大的成績：如周為民的《對“五四”時期以來中國藝術歌曲創作的回顧與思考》一文提到了20世紀50年代中期到60年代初期，一些專業作曲家發現和利用各地民歌，對其進行精心的藝術處理，使民歌在保留它原有樸實音樂性格的基礎上，給予它藝術化的品位。文章還提到那一時期以丁善德和黎英海等人所改編的藝術歌曲為代表；馮志蓮的《民族聲樂作品創作的新收獲———王志信近年作品初探》一文中有提到：作者“選擇最有普遍影響的原生民歌音調作為主題，在完整地保留民歌音調原貌的基礎上進行不同程度、不同規模的加工、變化、發展、創新。通過節拍、節奏形態的擴展、緊縮加強作品中歌唱性與戲劇性的對比”；黃常虹的《民歌·藝術歌曲·民族性———析丁善德改編民歌的藝術成就》一文，從豐富和提升了民歌的音樂內涵、采用豐富多彩的鋼琴伴奏和將中國民歌的演唱提高到一個新的藝術境界三個角度進行了論述。

二、民歌改編曲的創作特點

民歌改編曲是對原始民歌的繼承，保留有大量原始民歌的音樂元素，如歌曲內容基本一致，新編的民歌改編曲會引用原始民歌的曲調和歌詞，與原始民歌的情緒風格也基本保持一致。同時，民歌改編曲又是對原始民歌的發展，在原始民歌的基礎上加以擴充融合，使得改變的民歌更加符合現代人的審美和需求。民族改編曲的創作具有以下幾個特點：

1、曲式結構的發展

傳統民歌多采用結構簡單短小的一部曲式，而當代改編民歌為了有充足的空間展現音樂形象的個性，強化音樂的藝術感染力與戲劇性，歌曲的曲式結構規模有所擴展。王志信改編的《孟姜女》，其曲式結構特征為：Int+A+A′+B+A″+Coda1618315890GFBb《孟姜女》是具有引子與尾聲相對較為完整的四段體結構，歌詞分別圍繞春夏秋冬四個季節展開進行。在A樂段相對簡單，在旋律上進行簡單的潤飾，基本保留了原始民歌的主旋律，為全曲的基本感情基調做鋪墊；A′是由第一樂段發展變化而來的，主要表現孟姜女觸景生情；改編曲引入B樂段在旋律上更加跌宕起伏，表達的情緒也越來越強烈，描繪出的是一幅“落葉飄秋風涼”孟姜女做衣服的情景；最后一個樂段將情緒推向整首歌曲的。因此新編曲《孟姜女》是在保留原民歌音樂主題的礎上，引入新的音樂材料，在豐富了歌曲的音樂形象與內容的同時，把一首簡單短小的一部曲式擴充為具有起承轉合的大型聲樂作品。原始民歌《瑪依拉》是一首帶副歌的單二部曲式，運用的我國七聲清樂E宮調式，全曲由四個樂句組成：前兩句是重復，第三句與前面并行進入，第四句引入新材料，由襯詞組成，獨立構成全曲的副部。歌曲3/4拍的節奏貫穿始終，其曲式結構為：A19B9a5+a5+a’4+b51+2+1+5E宮七聲清樂E宮七聲清樂《瑪依拉變奏曲》是由青年作曲家胡廷江根據《瑪依拉》改編的一首花腔女高音作品，這首《瑪依拉變奏曲》將哈薩克族的音樂風格特征與西方的歌唱技巧風格相結合，可以說是中西合璧的產物。它的曲式結構為：Int+A+B+A″+Coda1-1920-4950-8788-103137-158162E宮清樂A宮清樂E宮清樂從結構圖來看，《瑪依拉變奏曲》屬于四段體結構，由引子、主題、兩個變奏、間奏以及主題再加一個尾聲構成。Int部分是整個樂曲的感情基礎，為后面部分做了鋪墊。而A部分與B部分的樂句分布不均，結構不平衡，B部分在前面的基礎上加入了花腔變奏，花腔的素材是利用主和弦的分解和弦素材，并在此基礎上發展變化，升華了快樂的情緒，而coda部分是一個非常輝煌的結束，主要運用的也是主和弦素材，將音樂情緒提到了最高點。因此可見《瑪依拉變奏曲》通過主題旋律的不斷重復與大段花腔技巧的運用，使原本簡單的三段式的分節歌結構擴展為A－A’－B－A”的變奏曲式，使歌曲的藝術表現力在廣闊的空間里得到充分的延伸

2、調式調性的豐富

與傳統民歌相比較，當代改編民歌在調式調性的運用上更靈活，打破原民歌基本一調到底的固定模式，而采用多調性的轉化和對比，使音樂色彩更加豐富，同時也更適應故事情節的發展及歌曲情緒的深入。調式是音樂的靈魂，調性的轉化是創作改編曲的一種手段，音樂的感彩和情緒在很大程度上是由調式調性決定的，調式調性的變化在音樂中具有不可估量的作用。改編的《孟姜女》其調性從D徵調式發展為第三樂段的D羽調式，極大地增強了其音樂表現力，最后在F徵調式上結束，通過調式調性的變換使用，使音樂的旋律、情緒、人物性格產生鮮明的對比，突出了跌宕起伏的故事情節與人物情緒。在《瑪依拉變奏曲》中，開始部分的旋律一直在E宮調式上呈現，在第三樂段時轉入A宮調式，音樂色彩與歌曲情緒發生轉變，在第四樂段時又回歸到E宮調式，實現音樂情緒的回歸與音樂主題的深化，整首樂曲依照起－承－轉－合的布局進行，其宮調式的使用使得音樂情景更加真實生動。

3、音域與旋律的拓展

旋律在當代改編民歌的創作中，作曲家常借鑒西洋歌曲中多見的對比、展開、再現、變奏的方式發展旋律，用來達到擴展歌曲戲劇性和藝術表現力的效果。許多由中國民歌改編的歌曲，只是加了優美的伴奏，有的雖然結構發生了變化，但是主題旋律并沒有改變。原始小調《孟姜女》是典型的單樂段起、承、轉、合性結構，每段四句落音分別為2、5、6、5，曲體簡單規整，曲調流暢。而改編后的《孟姜女》開始部分沒有較大的改編，完整呈現了原始民歌的主旋律，但也并不是照搬，而是經過了三次轉調，由原來的大九度擴增為十四度，第四部分采用搖板緊拉慢唱的節奏，音樂線條的拉寬舒展與急促緊張的十六分音符的伴奏織體相結合。如在B樂段部分，改編后的《孟姜女》，音域在前面樂段的基礎上有所提高，調性在31小節處由D徵轉為D羽，音樂色彩由明轉暗，秋風落葉的凄涼映照出孟姜女內心的悲戚。旋律部分進行中四、五度跳進增多，音樂跌宕起伏。“線是相思啊針是情啊”音樂旋律上揚，情緒在此時應拉開舒展，與后樂句下行的旋律形成回落對比。就整個旋律而言。此改編曲將我國戲曲板腔音樂融會貫通，“哭倒長城八百里，只見白骨滿青山”，表現了孟姜女無法言喻的無助與絕望，生動地刻畫出女主人公在狂風暴雪中不畏艱難險阻為君送寒衣的執著、堅強的藝術形象。在《瑪依拉變奏曲》中，第一段完整地保留了原歌曲的旋律，雖然在伴奏上有了變化，但是大致的風格不變，旋律是向上的走向，且原伴奏的音型是非常規整的八分節奏型，但該曲的伴奏節奏在前段樂句運用了附點休止，而且采用更多的節奏型及表情符號，如:后十六分節奏型、“ff”、“fp”等等，讓歌曲更富于變化，顯得瑪依拉不僅活潑，還帶點俏皮的個性，更貼近現代人心目中的形象。在第二段中作曲家在維持原來歌曲的風格的基礎上，通過增加大范圍的花腔變奏，充分模仿瑪依拉歡快的歌聲，將新的音樂材料融入其中，賦予了整首編曲熱情奔放，氣氛熱烈的音樂風格，增強了歌曲藝術的表現力與感染力。此外，作曲家還常常借鑒中國戲曲演唱的板式變化體的變奏方式發展音樂，從而產生與中國戲曲同樣強烈的戲劇性效果。

三、傳統民歌的改編與聲樂技巧的提高

原始民族唱法音域較窄，雖然甜美但是演唱時跳躍幅度與流動性不夠強。而現今的民族唱法也沒有等同于美聲唱法，改編曲的唱法還是以“民族”為基礎的，同時使民族聲樂藝術的吸引力和時代感不斷增強，所以這就要求演唱者在聲樂演唱方面具有更高的水準。

1、音色與音域

民族唱法在音色的選擇上一直都采用與常人較為接近的、自然的音色，早期的中國民歌音域一般不超g2，這些民歌雖優美動聽，音色明亮，風格濃郁，但是在相對較窄的音域中中音區偏多，比較渾厚。而民歌改編曲經過改編，一般都會音域加寬，使作品既可以圓潤輕盈又可以高亢華麗，整體的感情表達更加舒展細膩。因此這就更加要求演唱者兼具高水準的演唱功底，在演唱時聲音需要富有較強的顆粒型和彈性，這樣的音色控制能夠準確的塑造出歌曲中的各種角色形象。例如《瑪依拉變奏曲》在改編之后，在演唱時歌曲的高音部分與花腔部分就需要更多地運用美聲唱法的音色特點進行演唱，這是一種公共色彩，只有花腔女高才能具有的“木管音色”。運用這種音色演唱，聲音密度極高，音質清脆靈動，更容易實現“近人聲”與“遠人聲”的雙向追求。

2、氣息與共鳴

原始民歌唱法一般講究聲音甜美，運用真聲部分的口、咽腔共鳴比較多，而民歌經過改編后，其歌曲的難度和音域的加深與拓寬，要求演唱者在唱民歌改編曲的時候除了口咽腔的共鳴意外，還要學會運用頭腔，胸腔所有的共鳴來進行演唱，以適應歌曲的需要。以《瑪依拉變奏曲》為例，演唱者在演唱時，如果能夠將真假聲完美結合，演唱聲區統一流暢，起音與尾音相互呼應，在聲音上牢牢抓住上方共鳴的位置及腔體，就更容易體現瑪依拉優雅的氣質與從容的性格特征。呼吸是每個人與生俱來的一種本能，但是唱歌的呼吸與我們本能的呼吸不大一樣，唱歌時的呼吸，必須是以樂句的長短、音樂的需求為前提，來考慮呼吸的長短和氣息支持的。而本能的呼吸是一種很自由的呼吸。呼吸對于聲樂演唱來說就像是地基與樓房的關系，地基打的越牢越深，樓房就會蓋得越高。聲樂演唱中的呼吸是一種強化胸、腹式的呼吸運動。而美聲唱法的呼吸多事采用胸腹式呼吸，這種方法被認為是最科學的呼吸方法。因此，在民歌改編曲中，很多歌曲都加入了這種唱法，使得歌唱者必須有極深的氣息控制能力，對于音量、音域都有所擴大，讓聲音更為靈巧，有彈性，從而有益于聲區統一和聲音的表現力，正所謂“優伶以之，唱若游云之飛太空，上下無礙，悠悠揚揚，出其自然，使人聽之，可以頓釋煩悶，和悅性情，得者以之，故曰‘:一聲唱到融神處，毛骨蕭然六月寒’?！?/p>

3、咬字吐字的整體要求

咬字是評價歌唱好壞的一個重要因素。語言在聲樂中有著舉足輕重的地位，歌唱主要是靠咬字來發聲，因此在唱歌過程中咬字能使歌聲更加富有生命力和感染力。在民歌改編曲中，由于加入了更多的元素，很多歌唱者在發音中不能夠掌握咬字的技巧，破壞了旋律的連貫性，唱的不夠有韻味，不能夠體現出改編曲豐富的感彩。以《孟姜女》為例，如唱到A段第四句“孟姜女的丈夫去造長城”中，著重“造”字的字頭力度，不僅要吐字清晰，語氣的強調也凸顯出新年團聚之際孟姜女孤寂一人的哀怨之情。而唱到“生生血淚聲聲喚，天也昏來地也暗”一句，就需要演唱者放慢速度，每一句都要強調字頭的咬字，用頓腔結合哭腔，仿佛孟姜女在哭訴、抽泣。因此，在聲樂演唱前，初學的演唱者就需要先把歌詞摘出來在高位置朗讀，把握好口腔的著力點，正確完整的將字吐清晰，在朗讀時注意發音，咬字，和連讀，最后再將旋律加入，準確而清晰的唱進聽眾的耳朵里，是觀眾明白歌曲的意思，從而打動觀眾。

4、旋律與韻味

格里格曾經說過“如果一位指揮家把速度弄錯了，那就什么都完了?！庇纱丝梢钥闯鏊俣群托蓪τ谝魳返谋憩F的重要性。中國民歌注重“聲情并茂”，“聲”可以通過科學的發聲來訓練獲得，而“情”則可以靠旋律與速度來控制。民歌改編曲中有很多利用旋律和速度的對比變化來增強層次感、豐富內涵的作品，這就對演唱者提出了更高的要求。演唱者在作品的情緒與情感的表達上，多需要以真實的表現方式刻畫的塑造角色，同時以其戲劇化的音色處理、表演方式、旋律處理等來詮釋故事曲折迂回的情節，使作品更加有韻味。

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2、形體藝術能夠將聲樂表演的藝術內涵表達出來

形體藝術包括面部表情和眼神等，眼神對于聲樂表演有很重要的作用，往往歌唱的情感都是通過眼神表達出來的。在聲樂表演過程中，表演者可以通過眼神的變化生動的將歌曲的內涵以及情感變化表現出來，吸引觀眾的注意力，調動觀眾的情感變化。利用形體動作，能夠為聲樂表演者的表演服務，將表演作品的情感和韻味通過形體藝術淋漓盡致的表達。

3、通過形體藝術能夠渲染聲樂表演的藝術色彩，提高表演的感染力

感染力對于表演者而言是不可缺少的重要舞臺吸引力，在聲樂表演中大部分表演者都會通過形體藝術提升自己的感染力，使觀眾能夠親近作品，形成觀眾的向心力，引領觀眾更好的理解表演作品。通過形體藝術與聲樂演唱的結合，滿足觀眾聽覺和視覺雙享受的需求，使觀眾能夠切實的感受到作品的情感變化和作品內涵，加強對觀眾的吸引，提高聲樂表演的感染力。

二、聲樂表演中對形體藝術的訓練

1、臉部表情

形體藝術中臉部表情是最基本的形體表現，人們的情感變化，包括喜怒哀樂等都會通過面部表情表現出來，在聲樂表演中，正確的運用臉部表情能夠更好地體現聲樂表演的情感和內涵，使聲樂表演能夠直觀、形象的呈現在觀眾面前。對于聲樂表演而言，對臉部表情有重要要求，首先要做到眼眉舒展，其次要松牙關、抬笑肌，使表演者的臉部表情自然，適宜，讓觀眾感到親切。在臉部表情的訓練中，最重要的就是加強表演者眼睛的訓練，眼神的變化能夠更好地服務于表演者的聲樂表演作品。聲樂表演者需要通過眼神的變化來渲染作品情感的變化，將形態藝術與聲樂表演相融合，強化表演者與觀眾之間的交流，產生共鳴。

2、手勢動作

聲樂表演中對于手勢動作要引起足夠的重視，手勢與演唱和呼吸要相互協調，使手勢動作成為聲樂表演中密不可分的組成部分。在聲樂表演中，大部分表演者都會通過手勢動作協助表演者的氣息控制，使表演者的氣息能夠穩定、張弛有度。在聲樂表演中手勢動作包括情緒性手指、指示性手指和象征性手指等。聲樂表演者在舞臺的表演離不開手勢動作，聲樂表演的手勢動作設計要符合表演內容的音樂律動和風格，通過恰當的手勢渲染聲樂表演的情感氣氛，給整體的形體藝術進行鋪墊和烘托。同時手勢動作并不是聲樂表演的重點，在運用過程中，要自然協調隨性不夸張，避免手勢動作過于浮夸影響了整體的聲樂表演。

3、身體的形態

在聲樂表演中，外貌的美麗與身體形態的得體是相互映襯的，而身體形態是重要的聲樂表演表現，自信、精神的狀態能夠調動表演者的興趣，利于歌唱發聲，使身體形態自然協調的展現。表演者要根據表演曲目的內容和風格與身體形態進行結合，不同的唱法有不同的身體形態要求。對于美聲而言在演唱中就要保持一種端莊的姿態，民族音樂的聲樂表演就要在表演中融入一些民族姿態特點，例如蒙古歌曲表演就可以適當的融入一些聳肩的動作。通俗的聲樂表演就要強調身體形態的自然，在歌曲演唱中動作符合通俗歌曲的情景，依情景恰當發揮。同時，無論是哪種形式的聲樂表演，其在舞臺上的身體形態都不能出現較為隨意的動作，精神不振的狀況，要時刻保持昂揚的狀態，并且姿態優雅。

4、上下場的形態方式

聲樂表演者在表演過程中不可忽視的就是上下場。許多表演者在表演結束后精神放松在下場過程中就會放松精神出現不合表演的動作形態，或是在上場前由于沒有做好充足的準備，導致匆忙上場，影響正常演出的效果。因此，表演者要對上下場的形體動作進行掌握，樹立強大的臺風，使觀眾能夠感受到表演者的飽滿精神狀態和氣場氣質。在上場時要微笑向觀眾示意，適當的步伐節奏，淡定的向觀眾示意。下場時同樣要微笑鞠躬，將演唱情緒與動作保持到音樂結束，從容退場。

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作為聲樂表演藝術來說，要使聲樂具備藝術感染力，達到和諧準確的效果，離不開視唱練耳能力的發揮。視唱練耳與聲樂表演藝術是密不可分的關系，一方面視唱練耳教學源于聲樂教學實踐，另一方面聲樂表演又為視唱練耳提供了豐富素材，有助于練耳訓練的開展實施。

（一）視唱練耳能夠有效增強了聲樂表演中的音樂基本能力

聲樂表演是對音樂作品加以演繹的過程，其間貫穿了對音樂作品音準、節奏、表情的把控，而這些音樂基本能力都是視唱練耳的重要內容，因此，聲樂表演藝術本質上就是將視唱練耳加以綜合的一個過程。視唱練耳與聲樂表演之間存在著相輔相成的關系，一方面視唱練耳無法脫離聲樂表演獨立存在，另一方面聲樂表演也只有在視唱練耳能力的作用下才能夠唱準、唱對。視唱練耳對聲樂表演基本能力的促進作用，雖然不僅僅存在于聲樂表演這一單一音樂活動中，但毋容置疑的是，聲樂表演滲透了視唱練耳的基本內容。

（二）聲樂表演中的音感及演唱技巧需要視唱練耳技能的參與

視唱練耳中的視唱環節為聲樂表演技巧的提升奠定了基礎，聲樂演唱要達到旋律的優美和音感的自然流暢，需要有效調動視唱練耳中的基本技能。在開展聲樂教學時要沿用視唱練耳的技巧方法，在演唱中要及時調整呼吸，在節奏停頓上要合理有序，從而更好地控制音準及節奏，使聲樂演唱達到飽滿圓潤的藝術效果。此外，在聲樂演唱技巧及演唱方法的使用上，講究樂句之間在換氣時要保障演唱旋律的連貫自然，在演唱下行時，聲音要保持在高位狀態，在演唱上行時，聲音則要保持在低位狀態，而這些技巧也都是視唱練耳中突出強調的。因此，聲樂表演過程中，處處都滲透著視唱練耳技巧的使用，兩者是一種水融，互相促進的關系。

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2．1民間傳統文化資源在聲樂教育中的延續

民間傳統藝術資源在聲樂教育系統中近年來有了較為鮮明的延續，特別是眾多將民族與“原生態”唱法引入比賽和教學中的各種聲樂活動，充分地體現了民間聲音、民間伴奏等藝術形式在現代聲樂發展中的新活力和新生命。民間傳統聲樂和藝術資源大都以口口相傳的形式傳承，其傳承過程由于缺少書面記錄而受到一定程度的影響，在現代聲樂教育的發展背景下將民間傳統的聲樂藝術資源通過細微音色的辨析和情感控制分析加以傳承與控制是現代聲樂高等教育發展的必然選擇。民間傳統藝術資源在傳承與發展的過程中保持相對的獨立性與完整性，因而在與高校聲樂教育相結合的過程中需要繼續擴大民間傳統藝術資源的挖掘力度。

2．2民間傳統藝術資源在聲樂教育中的融合

在我國聲樂發展歷史上歷來存在著多元并存的發展理念，因此在加強聲樂教育系統與民間傳統藝術資源的結合時必須要重視互相融合，共同發展。民間聲樂系統不僅包括歌唱方法和歌唱技巧，更多的是廣大群眾對于民間生活、歷史、文化方面的情感積淀。我國高校聲樂教育系統近年來越來越重視對民間傳統藝術資源的借鑒與吸收，采取行之有效的手段將民間聲樂系統與現代聲樂教育相結合，以此實現演唱方法、歷史、文化、內涵等因素的交融。在大力弘揚民族的民間的聲樂系統的同時加強對民族文化、民間文化的弘揚有著積極的意義，開展高校聲樂教育時重視對民間傳統藝術資源的保存與發展能夠為高校聲樂的發展帶來新的活力。2．3民間傳統藝術資源在聲樂教育中的師資力量在高校聲樂教育過程中對于民間傳統藝術資源的借鑒與吸收還體現在民間藝術師資力量的引入與結合上。高校聲樂教育工作歸根結底要落實在每一名教師身上，因此教師的聲樂綜合素質顯得異常重要，特別是對于民間傳統藝術素質的與時俱進的學習上。從事高校聲樂教育的教師必須要樹立創新意識和自我突破意識，在加強對現代聲樂教育理論與方法的學習的同時還需要加強對民間傳統藝術資源的挖掘與整理，擔負起傳承中國聲樂藝術和聲樂文化的歷史性重擔。通過擴大對民間藝術資源和文化資源的了解與掌握，加強對學生傳統聲樂知識的教育，能夠推動高校聲樂教學與民間藝術的和諧發展。通過將民間聲樂傳承人引入高校課堂，讓更多的學生與教師體會生活音樂的真實狀態，感悟傳統音樂文化在當代的生存狀態。

3加強民間藝術資源對聲樂教育系統作用的途徑

3．1樹立“和而不同”的聲樂教育觀

民間聲樂的發展長期以來都是多元共生的狀態，在當代的民間藝術與高校聲樂教育相結合的過程中首先要樹立“和而不同”的聲樂教育觀，推動多種民間聲樂的多元并存與和諧發展。高校聲樂教育的目的是培養聲樂專業人才以承擔文化交流、文化傳播、聲樂教育等多種角色，因此必須要將專業知識教育與傳承人類歷史文化內涵相結合，促進學生對于學好本國、本民族傳統音樂文化。“和而不同”、多元共生的民族聲樂教育觀是現代高等音樂教育保存本土音樂文化、促進世界各民族音樂文化的交流有著重要意義。